viernes, 19 de abril de 2019

El Álbum "Homecoming" de Beyonce está Repleto de la Rica Tradición en Vivo de R&B



“Coachella -- you ready? Let’s go get ‘em…”

Beyoncé Homecoming llegó a lo que se ha convertido espectacularmente la moda de Beyoncé esta semana, con la mega estrella dejando caer el documental de Netflix, junto con un nuevo álbum en vivo, desatado en todos los servicios de transmisión. "Beychella" ya era la actuación más comentada de 2018, pero el lanzamiento del doc y el álbum han cimentado ese set épico en vivo como un momento cultural definitivo, uno que destaca un talento que abarca toda la era en el apogeo de sus poderes creativos. .



No hay nadie que haga un momento como Beyoncé. Pero más que el fuego y la furia del espectáculo, ella ha dominado la fusión de la expresión con ese tipo de exhibición de superestrella, que muy pocos artistas pop pueden dirigir. Y al hacerlo, con Homecoming, se remonta a la riqueza del Black art y su linaje de R&B. Desde los ecos de “Levanta cada voz y canta” y el puntal de un regreso a casa de HBCU, hasta el bounce de NOLA y el chopped & screwed de Houston , el rendimiento y la preparación transmiten cuánto quiere Beyoncé al mundo para celebrar la inmensidad de la creatividad y experiencia Black. Pero lo más importante es que ella quiere que su cultura esté en plena celebración de sí misma.

Mientras cita a luminarias como Toni Morrison y Nina Simone, Homecoming de Beyoncé es una poderosa fiesta para el R&B y vuelve a enfatizar en qué medida la experiencia en vivo le ha dado al género sus declaraciones musicales más conmovedoras. En muchos sentidos, el álbum en vivo es la exposición musical más importante de R&B: ha sido el formato por el cual muchos de los grandes del género han entregado el género en su forma más inmediata e íntima, y ​​su impacto es mayor. A muchas de las estrellas más importantes de R&B se les asignó a menudo la tarea de "cruzar" a las audiencias pop (es decir, las audiencias blancas), y es imposible ignorar la frecuencia con la que esto se produjo en la forma en que se recibieron.

Eso no sugiere que artistas como Aretha Franklin y Sam Cooke se hayan diluido en sus lanzamientos de estudio. Todo lo contrario: el legado de tantos grandes artistas de los años 60, en particular, es lo mucho que pudieron proyectar la iglesia negra en las listas de éxitos estadounidenses más importantes. Recalibró el sonido de la música popular y modificó la cultura de manera sísmica de tal manera que preparó el escenario para las estrellas más grandes de hoy. Pero también es cierto que los álbumes en vivo dieron a muchas superestrellas del soul el espacio para enfatizar la integridad de su arte y sus orígenes, de la manera más orgánica.


A pesar del éxito de James Brown a finales de los años 50 y principios de los 60 con las audiencias de R&B, el director de su sello King Records, Syd Nathan, no tenía fe en un álbum en vivo. Después de que Nathan se negó a financiar un álbum en vivo en el famoso teatro, James Brown eligió financiar el proyecto de su propio bolsillo. Live at the Apollo, de Brown, sería un éxito general, alcanzando el número 6 en la lista de álbumes de Billboard 200, y ambos consolidaron a James Brown como el artista más cinético de su generación, al tiempo que también anunciaban su poder comercial e influencia cultural. Grabado un miércoles después de que Brown ya hubiera tocado en una semana de shows, presenta a Brown y a Famous Flames en pleno vuelo. Corriendo a través de clásicos como "Night Train" para quemar lentamente en "Try Me", el Theater Apollo sirvió como una señal para la música soul y, en muchos sentidos, la recuperación de la voz de la música pop negra.




Al igual que Brown, Sam Cooke fue una de las estrellas del soul preeminente de su generación; pero Cooke llegó a las listas de éxitos más temprano, una presencia regular desde la lista de éxitos de 1957 con "You Send Me". Su presentación como un apuesto cantante a veces oscurecía la agudeza y la pasión de la antigua estrella del evangelio, una especie de imagen proto-Motown que sería una corriente familiar A lo largo de muchas carreras de estrellas del pop negro. Pero en Live at the Harlem Square Club, 1963, Cooke se dio cuenta de que se había convertido en el mejor cantante de la música soul, con su actuación más atrevida y emocionante jamás registrada. Actuando en Miami frente a los fanáticos que lo habían seguido desde sus días de evangelio, la arena sin filtrar de Cooke era demasiado para la corriente principal de la ACR; el álbum se archivaría hasta 1985.




Fillmore West de 1971, de Aretha Franklin, es uno de los mejores discos en vivo de todos los tiempos, y se presenta como un documento interesante de la habilidad de Franklin para trascender y transponer los éxitos hippies en su propia marca de soul urgente. Pero el álbum en vivo que lo sigue, Amazing Grace de 1972 deja en claro que la educación sobre el gospel de los nativos de Detroit estaba trayendo fanáticos del pop al soul de la iglesia Black, no al revés. Es el álbum de gospel más vendido de todos los tiempos, y ampliamente considerado como una de las mejores grabaciones del siglo XX. El álbum doble fue grabado en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Los Ángeles y es el tema de un nuevo y emocionante documental de Alan Elliott.

Soul, gospel, R&B y rock nacieron de las mismas voces negras y, a principios de la década de 1970, todavía era evidente en los artistas más indelebles. Al igual que el genio de Donny Hathaway, demasiado pronto, el Live de 1972 es una grabación indiscutiblemente esencial para los entusiastas del soul/R&B, y cualquiera que quiera aprender sobre el inimitable Hathaway. Acompañado por una banda que incluye a Cornell Dupree y Phil Upchurch, y al brillante bajista Willie Weeks, que brilla especialmente en "Voices Inside". The Isley Brothers 'Live se fusionan con la destreza de la famosa familia musical, que se han reconfigurado oficialmente como una banda completa El bajista de los hermanos Marvin Isley y el guitarrista Ernie Isley y Chris Jasper se convirtieron en miembros de tiempo completo en 1972 después de pasar los sesenta como un trío vocal. Los Isleys adoptan los estándares de pop del día, al tiempo que muestran las habilidades de guitarra de Ernie en un set realizado en The Bitter End de la ciudad de Nueva York, donde Hathaway también grabó el año anterior.




En la década de los 90, cuando el surgimiento del hip-hop y la astucia de la producción digital produjo el pulso del nuevo swing de amigos, la riqueza de las presentaciones en vivo estaba todavía muy presente entre los actos más definitivos de la década. Uptown Unplugged es la representación más efectiva de la aparición del alma del hip-hop alrededor de 1992-93 y de por qué ese apodo siempre fue más que solo un significado vacío. Con enchufes principales de Uptown Records como Mary J. Blige, Christopher Williams y Jodeci, Unplugged reafirmó cómo el R&B reconectado se mantuvo en su tradición del soul y el evangelio, incluso si ahora llevaba pantalones caídos. Pisándole los talones a tantas estrellas de los 80 que se inclinan hacia el pop, ahora es un documento importante del tradicionalismo de R&B en la década de los 90.



Mariah Carey se encargaría de encarnar la confluencia de la valla "R&B" y "pop"; Manteniendo un catálogo de décadas de éxitos que abarca la gama de adultos contemporáneos a híbridos de hip-hop. Pero en 1992, Carey estaba a años de su exitosa colaboración con Ol' Dirty Bastard y más tarde la reinvención de adultos en Butterfly. Aún era la superestrella de mitad de la carretera más exitosa de Estados Unidos, y MTV Unplugged coincidió con el lanzamiento de su multi-Platinum Emotions. El exitoso álbum sirvió para notar que Carey no era solo el producto de la astucia de Sony, y que sus voces elevadas tenían raíces profundas, que se extendían desde esos pilares siempre presentes de nuevo; evangelio, soul, pop. Carey transmite la inmensidad de sus influencias, no a través de las portadas (aunque su interpretación de "I'll Be There" de Jackson 5 es una actuación clásica), sino principalmente a través de la riqueza de su propia interpretación de sus éxitos, como "Someday".

A medida que el neo-soul se hizo casi omnipresente, las reconexiones con el pasado de la música se enfatizaron más casualmente. El linaje siempre había estado allí, pero cuando artistas como D'Angelo, Erykah Badu y Maxwell evocaban específicamente objetos como Marvin Gaye, Stevie Wonder y Minnie Riperton, también trajo la tradición del cantante y compositor negro a una influencia hip-hop en el contexto que parecía igual que en casa con A Tribe Called Quest o Pete Rock. Otra adición estelar al canon Unplugged, la actuación de Maxwell en 1997 combinó el beat romántico, el carisma y la versatilidad del cantante en uno de los mejores lanzamientos de finales de los noventa. Badu lanzó su Live ese mismo año, y es igual de convincente la representación de su talento y presencia, y produjo uno de sus éxitos más duraderos en "Tyrone".



Gran parte de la historia de R&B se ha relacionado con el Black Artist y su capacidad de "cruzar" o no; y eso es comprensible dado que el término "R&B" nació de la categorización de "música de carrera" que agrupaba a toda la música popular negra con fines comerciales y pandistas racistas.  Homecoming de Beyoncé es una experiencia emocionante porque reconoce la libertad y expresividad de la Black Music, tanto históricamente como en la actualidad, al tiempo que reconoce la frecuencia con que la voz se filtra a través de una lente blanca. Su enfoque y la experiencia de la filmación y los ensayos en el período previo a Coachella revelan cuánta intencionalidad ha sido siempre en sus momentos más grandes.



Share:

0 comentarios:

Publicar un comentario

DESTACADO

Mejores Álbumes del 2019 (Hasta Aquí)

Tyler, The Creator - WSJ 2019 Music Innovator Award Presentation

EarthGang - This Side | A COLORS SHOW

Benny the Butcher - "Crowns for Kings" Live Session | Vevo Ctrl

Translate

Mejores Álbum de la Semana

BEAT

Spotify Playlist : NUEVA MÚSICA

Spotify Playlist: Hits Of All Time

Total de visualizaciones

Etiquetas

Archivo del Blog